Людмила Громыко

Второй Молодежный театральный форум стран Содружества, Балтии и Грузии приземлился в Минске и эффектно завершил нескучную театральную осень. И хотя в городе форум особенно не ждали – не хватало рекламы и активной информации – театральное пространство за неделю расширилось до возможного предела. Республиканский театр белорусской драматургии (иные институции на событие отзывались вяло) получил ценный опыт и, самое главное, ощутил причастность к живому творческому процессу. Редкость по нынешним временам… Спектакли, workshop молодых режиссеров с самим Виктором Рыжаковым, выставка молодых сценографов, семинар молодых драматургов, круглый стол молодых критиков, снова спектакли… И так с утра до ночи.

Необычным казалось то, что вместе с РТБД и ЦБД театральную тусовку образовывали и наполняли смыслом актеры, режиссеры, критики из стран ближнего зарубежья. Местная массовка была немногочисленной. Ни Академия искусств, ни Университет культуры и искусств активного интереса к форуму не проявили. К слову сказать, упустили прекрасный шанс «сверить часы». На первый взгляд странно для учебных учреждений, которые по-прежнему держатся за выверенные еще в советское время постулаты.

Таким образом, все страны-участницы были выходцами из бывшего Советского Союза. (Вот вам и театр народов СССР). Однако в программу форума вошли спектакли режиссеров не старше 35 лет. Они по определению не могли испытывать ностальгию по эпохе, которой не принадлежали. Показалось интересным определить их художественные пристрастия, уровень и особенности профессиональной подготовки. Режиссерская мысль не всегда взлетала высоко, соответственно возрасту и человеческому опыту, зато с профессией дружили по преимуществу. Образование режиссеры в основном получили в родных пенатах, однако единый стержень был ощутим. Психологический, конечно. В зону активных режиссерских поисков заходили немногие. Думаю, формально спектакли форума можно разделить на спектакли постсоветской и европейской ориентации. Могилевский «Гамлет» представлял одно из главных направлений, по которому движется современный театр, актуальное искусство, и ни разу существующую здесь режиссерскую школу.

Из Средней Азии и Закавказья приехали национальные театры. (Делаю оговорку, потому что на фестивалях в Беларуси скорее можно увидеть русскоязычные коллективы). Выявленный менталитет, подсвеченный особым взглядом на мир, наивный романтизм – вот то, что делает их по-настоящему интересными. Поправленная в соответствии с этническими особенностями психологическая актерская школа привлекает импульсивной эмоциональностью, трагическим мироощущением. «Юность Мушфики» Таджикского театра музыкальной комедии имени Камола Худжанди; этно-мюзикл «Божественная игра» Азербайджанского национального театра; «В стороне, где восходит солнце» Узбекского национального театра – это совсем иной мир. Иной способ соотнесенности человека с искусством, в котором основное место отводится ритуалам и преданиям, самоидентификации. С трудом согласуется с европейской светскостью, но воздействует энергетикой. Впрочем, остается ощущение эстетической архаичности, за пределы которой молодым режиссерам еще предстоит выйти.

В стороне от восточного мейнстрима оказались «Женщины Трои» грузинского Театра Королевского квартала. Показалось, что в спектакле бездна противоречий. Начиная от программки, в которой значится: «Документальный спектакль по Еврипиду, другим литературным источникам и интервью с женщинами, пережившими войны». Драматургическая основа кажется неубедительно выстроенной (насколько можно судить по переводу, предъявленному через титры). Чрезмерное увлечение девическими красивостями, пафосный драматизм превратили спектакль в эффектно раскрашенную «страшилку», в которой черта между «прекрасно» и «ужасно» практически отсутствовала. Не хватало острых параллелей с тем, что происходит сегодня в реальности. Рас-чувст-вова-ние вообще. Стоит включить выпуск новостей по ТВ, и своеобразная романтизация войны покажется довольно странной.

Совсем иначе выглядел близкий по теме спектакль «Дети голода. Свидетельства» по роману Алексея Вакуловского молдавского Национального театра имени Михая Эминеску о голоде 1946–1947 годов в Бессарабии (режиссер Луминица Цыку). Строгий, предельно скупой отбор выразительных средств. Девять исполнителей в отчеркнутом прямой линией пространстве сцены. Черные костюмы, минимум реквизита. Минимум движений. Девять шагов по направлению к рампе. Правда о страшном времени – о голоде, о людоедстве, неистребимом желании выжить, о сталинизме, раскулачивании, реквизиции зерна, депортации… Трагическое достоинство без истерии и эпатажа в естественной простоте слов, движений, в концентрации мыслей, словно опрокинутых в прошлое и обращенных в будущее. Ни одной случайной детали, все исполнено с профессиональным блеском. Открытый проход к чувствам зрителей и вопрос, который повисает в тишине зала: «А как сейчас?». Такое редко удается на сцене.

Большинство, показанных на форуме спектаклей, не были ученическими. Как минимум, хорошие актерские работы, свободное высказывание. Игра не постановочными приемами, а смыслом. В лучшем случае, попытка создания художественных миров, где согласуются человеческие и эстетические законы. Оригинальное театральное пространство было выстроено в спектаклях «Любовь людей» (Украина), «Гамлет» (Беларусь), «Индраны» (Латвия), «Калигула» (Литва), «Облако-рай» (Россия).

В «Любви людей» Дмитрия Богославского и Киевского академического молодого театра Станислав Жирков, определяя жанр спектакля как триллер, играет с пьесой, персонажами, публикой. Хорошие актеры с легкостью оправдывают любую режиссерскую придумку, размывают границы действительного и мистического. С легкостью обходят все «подводные камни» пьесы, наполняя события приметами абсурда. Погружаются в быт, смакуют его подробности, а потом из узнаваемого удивительным образом возникает ирреальное. Рождает ассоциации, вызывает смех в зрительном зале. Сережа время от времени делает очень странные движения – подергивает руками, встает с подскоками, Но вопрос: «Что это было?» – у зрителей не возникает. Слово рождается через трюк, идет игра с бытийными подтекстами. Все узнаваемо. Мама Коли – говорит-поет. Закрываются и открываются тяжелые ворота посредине сцены и всякий раз возникает новое событийное пространство. Действие не останавливается ни на минуту. Черный сюжет опрокидывается в действительность и одновременно отмежевывается от нее. Разговор о страшном, еженощно присутствующем в жизни людей, можно вести смеясь. Если есть черный юмор, почему не может быть черного смеха? Мелодраматический сбой происходит только в конце спектакля. Возможно, он был нужен режиссеру для эффектного финала, когда под белым саваном вместе оказываются главные герои – Коля, Люська и Сергей. Расплата неотвратима… И все-таки немножечко жаль, что потеряна интонация спектакля.

Незамеченными на форуме остались «Индраны» Рудольфа Блауманиса (Рижский русский театр имени Михаила Чехова), элегантная и драматичная постановка Элмара Сенькова. История латышской семьи прочитана как история предательства в период смены поколений и эпох. Глубокий психологический анализ персонажей, точность деталей, игра визуальными контрастами и стилями. И постоянное присутствие мысли о судьбах близких людей, которые мы вершим, над которыми властны. Режиссер не играет с моралью, ничего не делает в назидание зрителям. Он открывает темные стороны человеческих отношений и заканчивает спектакль в момент совершившейся трагедии. Возникает тягостное ощущение вины и боли. Сострадание.

Белорусский «Гамлет» Игоря Казакова (Могилевский театр кукол) и литовский «Калигула» Видаса Барейкиса (Театральное движение No theatre) параллелятся на поколенческом уровне. Отличается взгляд на жизнь, мироощущение. Но в обоих случаях – это острое приближение к сегодняшней реальности, поиски нового сценического языка. Гамлет у Юрки Дивакова не ищет ответы на проклятые вопросы, скорее генетическое неприятие несправедливости не позволяет ему взрослеть. Это и есть роковая печать, которая обязательно приведет к гибели героя. Но что останется тому, кто выживет в мире предательства и жестокости? Персонажи трагедии – безвольные куклы на вешалках судеб. Но только кто играет человеком? Офелия в противогазе и ластах совершает свой последний путь через зрительный зал. Не выплыть. Куклы, люди, предметы, вздыбленное пространство времени. Истерия и ужас. Фарс, но траги… нужно уметь отстраняться.

Калигула в исполнении Айниса Сторпирштиса открыт и беззащитен в своих страстях, как маленький ребенок. Чувства пережиты актером на эмоциональном пределе. Двадцать девять лет жизни, словно восемьдесят. Достать луну, убить, извратить мир, который невозможно исправить. Отчаянный путь самоубийцы без надежды на спасение. Вне законов морали. Но возможно ли любить по пятницам?

Режиссер Видас Барейкис максимально приближает к зрителям искаженное лицо ужаса и смерти, отразившиеся в глазах главного героя. Длинный стол посреди сценической площадки, за и на котором происходит действие пьесы. В него всякий раз вовлекаются зрители, которые находятся совсем близко – стоит только протянуть руку, задать вопрос, предложить соучастие. Это осмысленный интерактив. Уход от театрализации. Попытка стереть грань между трагической историей и реальностью.

Среди спектаклей, оформивших картину театрального разнообразия на Молодежном форуме – еще два, которые невозможно обойти вниманием.

«Облако-рай» Лысьвенского театра драмы имени А.А.Савина и «Чистый разум/Укуси меня» Компании Nii и Нового театра Тарту. «Облако-рай» – своеобразный новодрамный лубок, если можно так выразиться. С ностальгичными отсылками в конец 1960-х, с тоской по человеческим странностям, которые есть только суррогат свободы. Режиссер совершает свободное плавание в океане сценических жанров, никакому не отдает явного предпочтения, точно формулирует мысль. Во всяком случае, вопрос: «О чем спектакль?» – кажется неуместным тому, кто пытается выбраться из сетей бытовой обреченности и хочет хоть как-то изменить свое бескрылое существование.

«Чистый разум / Укуси меня» стал на форуме «апофигеем» необузданной театральности. Фейерверк фантазии, акробатики, избавление от смыслов, и пятнадцать минут настоящего театрального счастья в финале.

Театральное счастье есть – и это самый главный урок Молодежного форума.

Фото Елены Лапиной (Международная конфедерация театральных союзов).